Docto y amable patrono de plumillas

Hoy es San Francisco de Sales, patrón de periodistas y escritores, pero ¿por qué? Copio de Wikipedia, a quien los periodistas y demás escribidores deberíamos canonizar como Santa Wikipedia:

(…) En 1594, fue hacia la zona del Chablais dominada por calvinistas. En un inicio fue echado por los pobladores y tuvo que pasar temporadas viviendo en la intemperie y de manera rudimentaria, evitando dos intentos de asesinato e incluso ataques de lobos, pero su celo y trabajo empezaron a dar fruto. Debido a su carácter amable y paciente y a una propaganda hecha a mano y distribuida casa por casa, profunda en su contenido, refutando las ideas calvinistas, logró cautivar a los pobladores y convertirlos. Francisco de Sales resumió su labor a Juana de Chantal con esta frase: Yo he repetido con frecuencia que la mejor manera de predicar a los herejes es el amor, aun sin decir una sola palabra de refutación contra sus doctrinas.

(…) es considerado el Santo de la Amabilidad. Prueba de ello son las 33 piedras que obtuvieron de su vesícula biliar el día de su muerte, signo de los constantes esfuerzos por mitigar los corajes que hacía, siempre teniendo un rostro sereno o una sonrisa.(…)

Ya tenemos otra cosa en común. Esta es mi piedra. Es solo una, pero bien gorda:

Para remate de bondades del Santo Patrón, una curiosidad:  “En 1632 se hizo la exhumación del cadáver, se encontraba en perfecto estado e inclusive elasticidad en los brazos, al mismo tiempo una fragancia dulce emanaba del ataúd.”. Nunca entenderé el gusto medieval por las reliquias y los huesos de santo.

Tienes una semana

Para acercarte al Instituto Cervantes de Madrid y no perderte la exposición Grafika. Reúne a 30 artistas que podrían encajar en lo que llamamos arte urbano, cuyo lienzo es la ciudad y cuya inspiración es muchas veces la crítica social. Todos ellos disfrutan de una acogida entusiasta por parte del público.

Rorro Berjano

Javier Calleja

Álex Castañeda

EME, Eltono

Fernando Elvira

Freak La Notte

Nuria Mora

Sergio Mora

Daniel Muñoz (SAN)

Nano 4814

El niño de las pinturas

Okuda San Miguel

Ima Picó

Silvia Prada

Carlos Orta

Pepa Prieto

Almudena Rodríguez

J. J. Rosado

Gonzalo Rueda

Rubén Sánchez

Savage Girl

Seleka

Marta Serna

Sixeart

SpY

Emilio Subirá

Suso33

Antón Unai

Zosen

Estaba preparando los nombres para hacer enlaces, pero el trabajo ya está hecho. La exposición será itinerante por otros Institutos Cervantes del mundo y tiene un blog, Grafica30.wordpress.com, vecino de éste, donde puedes documentarte.

Es de lo más inspirador que he visto en estas fiestas, además de la restauración de la Catedral de Tarazona, que ha descubierto pinturas renacentistas de gran calidad que permanecían ocultas en sus muros. La Catedral estuvo cerrada treinta años y recientemente ha revelado tu tesoro oculto.

El procomún

La revolución cultural del procomún. Así se titula el reportaje que publica hoy El País. Me han dado ganas de difundirlo porque llevo unos días pensando en el sentido que puede tener escribir un blog que no lleva a ninguna parte, del cual no voy a obtener beneficio económico alguno. Como me ocurre a mí, que al fin y al cabo publico un pequeño texto cada dos semanas o una reseña de alguna obra de la que no soy autora, como me ocurre a mí que me cuestiono el sentido de este trabajo, le ocurrirá a millones de artistas: músicos, escritores, fotógrafos, que ven cómo el fruto de su esfuerzo aparece regalado en Internet. Tenía yo ganas de encontrarle un sentido a todo esto, y al fin, gracias a este reportaje de Antonio Fraguas publicado hoy, se lo he encontrado:

“Puesto al día por la estadounidense Elinor Ostrom (Nobel de Economía 2009), el término [procomún} se refiere a los bienes que son de todos, no confundir con bienes públicos (del Estado). Para sus defensores son procomunes, entre otros, el aire, el agua, el conocimiento científico, el software y, también, las obras culturales…”

En el reportaje se cita a Antonio Lafuente, responsable del Laboratorio del procomún, que dice:

“Para que a alguien creativo se le ocurra algo ha tenido que leer un montón de cosas, participar en seminarios, visitar exposiciones… hay una atmósfera cultural que es el fundamento para que pueda generarse la creatividad. Además se necesita una infraestructura: bibliotecas, transportes, canales de acceso… Hay una dimensión en la creación que es procomunal: por eso es absurdo es que alguien al que se le ocurre algo le den la propiedad en exclusiva por ni se sabe cuántos años y que la pueda transmitir a sus hijos”,

Esto me ha parecido muy importante y en efecto revolucionario, aunque no en el sentido anarco-comunista del término revolución, como parece haber entendido Raquel Marín, autora de la ilustración sesentera puño en alto que acompaña al reportaje, sino revolucionario en el sentido de vuelta de tuerca o paso adelante en la historia de la humanidad. Toda revolución en este sentido del término ha terminado con algunos oficios: la revolución del transporte acabó con los oficios relacionados con caballos y bestias de carga. Esos gremios seguro que lanzaron mensajes apocalípticos sobre los coches sin caballos.

Estoy leyendo un libro de Simon Garfield titulado Es mi tipo, que aprovecho para recomendar a todo el que se vea atraído por la expresión escrita. Los libros de tipografía suelen ser excesivamente técnicos o aburridos. Este no. Cuenta anécdotas de las vidas de los fundidores de tipos a lo largo de la historia, de sus vidas privadas y la dedicación a su oficio. Antiguamente no existía el concepto de propiedad intelectual. A John Baskerville, el mayor diseñador de tipos de su era, no se le hubiera ocurrido erigirse propietario de su letra Q mayúscula; si hubiera vivido en el siglo XX se habría enriquecido. Se mantenía en parte gracias su trabajo de inscripciones en lápidas. A su muerte, el pionero de los derechos de autor, el revolucionario francés Beaumarchais compró su tipografía para imprimir las obras completas de Voltaire. Lean ese libro. Les va a entretener.

Despidos

Un momento antes corrió la voz de que iban a despedir a doce empleados. Durante toda la mañana la gente temió que sonara su teléfono. Lo hizo al momento el de mi compañera. “Soy la primera”, dijo. Silencio, caras largas. Después otro, y otro, y otro. Con las cajas, como en las imágenes de Lehman Brothers, pedían DVDs para grabar sus documentos, donaban sus rotuladores fluorescentes y sus librillos de post-it. Varios e-mail para todos con un “Hasta pronto” en el asunto. Se van, y apenas sabíamos que les teníamos afecto, porque estaban ahí, sí o sí, ocho horas de cada día de nuestra vida de lunes a viernes. El lunes no estarán; se supone que lo habremos digerido el fin de semana sin posibilidad de hacer corrillos. Los despidos casi siempre son en viernes.

A los despedidos les invade una especie de euforia por su inminente giro vital. Lo sé porque me han echado un par de veces. Te ves en un momento como centro de atención y recibes muestras de cariño o abrazos, la mente se ocupa en dejarlo todo atado. Cuando eres testigo lo que te invade es una rara melancolía, que te impide concentrarte, que no desaparece al día siguiente. Por eso escribo: contra la melancolía.

La mayoría de los despidos ocurren porque el empleador piensa que por la razón que sea puede o debe ahorrarse un coste salarial. Ese es el detonante. Pero cuando hay varias posibilidades el despedidor suele elegir a aquellos con los que sintoniza peor, o con los que ha tenido algún viejo desencuentro por el que siente algún rencor. Estas circunstancias provocan sentimiento de culpa en el despedido, que en cierto modo se hace responsable de su despido por haber criticado al jefe, por ejemplo. Se tarda un tiempo en perdonar  al que te echa,  se siente liberación cuando perdonas y pasas página.

Al fin y al cabo, los despedidos quizá pasen a tener una vida mejor. Ojalá. A mí me ha ocurrido: Después de perder el empleo recuperé la salud. Mucho peor fue otra despedida que tuvimos ayer. Mi gatita de 16 años estaba muy enferma. Aún no había empezado su agonía, pero el pronóstico era fatal y tuve que llevarla al veterinario para que le practicara la eutanasia. Allí la dejamos, y aunque fue una gata arisca y con carácter, ahora percibimos su ausencia y nos deja un vacío muy grande.

Se canta al mar. Nicanor Parra

Nada podrá apartar de mi memoria

La luz de aquella misteriosa lámpara

Ni el resultado que en mis ojos tuvo

Ni la impresión que me dejó en el alma.

Todo lo puede el tiempo, sin embargo

Creo que ni la muerte ha de borrarla.

Voy a explicarme aquí si me permiten

Con el eco mejor de mi garganta.

Por aquel tiempo yo no comprendía

Francamente ni cómo me llamaba

No había escrito aún mi primer verso

Ni derramado mi primera lágrima

Era mi corazón ni más ni menos

Que el olvidado kiosco de una plaza.

Mas sucedió que cierta vez mi padre

Fue desterrado al sur. A la lejana

Isla de Chiloé donde el invierno

Es como una ciudad abandonada.

Partí con él y sin esperar llegamos

A Puerto Montt una mañana clara.

Siempre había vivido en familia

En el valle central o en la montaña

De manera que nunca ni por pienso

Se conversó del mar en nuestra casa.

Sobre este punto yo sabía apenas

Lo que en la escuela pública enseñaban

Y una que otra cuestión de contrabando

De las cartas de amor de mis hermanas.

Descendimos del tren entre banderas

Y una solemne fiesta de campanas

Cuando mi padre me cogió de un brazo

Y volviendo los ojos a la blanca

Libre y eterna espuma que a lo lejos

Hacia un país sin nombre navegaba

Como quien reza una oración me dijo

Con voz que tengo en el oído intacta:

“Este es, muchacho, el mar”. El mar sereno.

El mar que baña de cristal la patria.

No sé de ir por qué pero es el caso

Que una fuerza mayor me llenó el alma

Y sin medir sin sospechar siquiera

La magnitud real de mi campaña

Eché a correr sin orden ni concierto

Como un desesperado hacia la playa

Y en un instante memorable estuve

Frente a ese gran señor de las batallas.

Entonces fue cuando extendí los brazos

Sobre el haz ondulante de las aguas

Rígido el cuerpo, las pupilas fijas

En la verdad sin fin de la distancia

Sin que en mi ser moviérase un cabello

Como la sombra azul de las estatuas.

¡Cuánto tiempo duró nuestro saludo

No podrían decirlo las palabras!

Sólo debo agregar que en aquel día

Nació en mi mente la inquietud y el ansia

De hacer en verso lo que en ola y ola

Dios a mi vista sin cesar creaba.

Desde entonces data la ferviente

Y abrasadora sed que me arrebata.

Es que en verdad desde que existe el mundo

La voz del mar en mi persona estaba.

(De Tres poetas chilenos; 1942).

EnsEÑanzas y Suso33

Este es uno de los vídeos de Suso33 que vimos anoche en el Festival Eñe, en el Círculo de Bellas Artes de Madrid. El artista, grafitero genial del barrio de Tetuán, dio una charla sobre su trabajo en la que insistió en que lo importante es la acción, y no el objeto artístico. Su arte es efímero, él no es el propietario del soporte, sus intervenciones son muchas veces ilegales, en cuanto que están realizadas en espacios públicos o privados sin la aprobación de sus dueños. Merece la pena visitar su web suso33.com para disfrutar de la grabación de estas acciones.

¿Y qué hace un grafitero en un festival de literatura? Resulta que entre ellos se llaman “escritores”, por eso de que escriben sus nombres en las paredes. En el Salón de Baile del Círculo se exponía un gran mural del malogrado Muelle. Además, están bastante relacionados con el rap, que es pura palabrería.

También estuvo en Eñe el polémico (o ya no tan polémico) Eduardo Arroyo, a quien el director de La Fábrica, Alberto Anaut ha hecho una entrevista de 24 horas, ahí es ná; y otros artistas gráficos, como Paco Roca o David Rubín. Los escritores adultos jóvenes hicieron exhibición de retórica y creatividad – Juan Gabriel Vasquez, Amador Fernández Savater, Belén Gopegui, Jorge Volpi o el genial Mario Mendoza fueron mis elegidos-, mientras que los adultos mayores hicieron exhibición de memoria o improvisación: Álvaro Pombo, Manuel Vicent, Francisco Brines, José Caballero Bonald o el propio Arroyo llevaban sus charlas menos preparadas o fueron menos enérgicos, carencia que suplen con los beneficios de la experiencia. Me perdí muchas conferencias -las de los adultos jovencísimos-, que se solapaban en el tiempo, pero los actos a los que acudí fueron  interesantes. Este año pagué mi abono, porque quiero que el Festival continúe (el año pasado me acredité como prensa). A pesar de la nota que los responsables se han animado a lanzar sobre el éxito de público, se veían muchos más claros de público que en la pasada edición. Por cierto, hablando de responsables, me llama la atención el poquito caso que hacen en El País a este festival, a pesar de que entre los oradores hay muchos colaboradores o excolaboradores de ese periódico. En fin, algo habrá.

A pesar del título de la entrada, no me veo con ánimo de compartir todas las enseñanzas que he extraído este fin de semana. Últimamente el trabajo me deja algo cansada. No es un trabajo difícil el de maquetar revistas, pero requiere mucha capacidad de atención, una cualidad que se tiene abundantemente en la juventud pero cuesta mantener cuando van pasando los años, y después de ocho horas de estado de alerta pues se queda una algo calamitosa, que una va por la vida improvisando, vaya.

Ciudades afeadas por el diseño

Un logotipo, otro distinto, un color, otro, otro… ensalada de marcas pesadilla de cualquier diseñador. Cuando camino por mi ciudad, Madrid, una ciudad que me enamora, a veces me veo abocada a mirarme los pies en vez de admirar su arquitectura, a causa del ataque de impactos visuales que padezco al levantar la vista. La contaminación visual, según Wikipedia es “un tipo de contaminación que parte de todo aquello que afecte o perturbe la visualización de sitio alguno o rompan la estética de una zona o paisaje, y que puede incluso llegar a afectar a la salud de los individuos o zona donde se produzca el impacto ambiental. La contaminación visual tambien se refiere  al abuso de ciertos elementos “no arquitectónicos” que alteran la estética, la imagen del paisaje tanto rural como urbano, y que generan, a menudo, una sobreestimulación visual agresiva, invasiva y simultánea”.

No se trata solamente de que en Madrid se diseñe mal, que también; es que en las ciudades en las que se diseña mejor, como Barcelona, el efecto es aún peor. La arquitectura modernista catalana exige un diseño de escaparates o marquesinas más minimal, que contraste con la floritura del edificio. Quizá esté ahí la clave del disenny barcelonés. El logotipo de Burger King no queda nada bien en este edificio.

Ni siquiera el buen diseño suma a la ciudad, sino que resta. Igual que en Madrid, las tiendas tradicionales se integran perfectamente en la visión de conjunto de la ciudad, en Barcelona, la señalética tradicional no es molesta, al contrario.

Les viene de antiguo a los catalanes la pasión por las señales. Hoy en día se abusa. ¿Es necesario un icono para que la gente no se cuele en el bus? ¿Es necesaria tanta señal?

Hoy me he fijado en un bar antiguo de mi calle, El greco, abierto en 1931. Su reclamo es sereno, armonioso, pero junto a su letrero han puesto un cartel de Securitas Direct que se lo carga. Espero que si un año de estos cambia el paradigma o el modelo de sociedad, el grito de la marca en la calle deje de tener sentido y la belleza vuelva a tener más presencia que el reclamo publicitario. El reclamo lo está invadiendo todo, hasta que estalle la burbuja de la contaminación visual y nos manden a todos los diseñadores gráficos a hacer puñetas.

Dios estuvo en agiopen

Tres veces se le mencionó. Lo hizo Marian Bantjes, cuando situó a Dios entre sus afectos más incondicionales en un gráfico;  también, y de qué manera, Kyle Cooper, cuando respondió  a por qué los diseñadores diseñan que  ”Dios nos ha dado un don e intentas ver cuál es tu don en la vida”, ¿no tiene abuela? Debe ser que no, como tampoco ha de tenerla ChipKidd, que comenzó diciendo “Thank fucking God”, y otros “mantras”.

En cambio, otros predicaron la humildad, o la practicaron. Isidro Ferrer, después de asegurar que convive con la duda, nos acercó a lo que se supone que es Dios con su poesía, sin siquiera mencionarlo.

Está muy interesante el inspirador evento. Ha de ser por el título de las conferencias:  ”What. How. Why”,  que muchos habladores hacen hincapié en una dimensión ética del diseño; que la tiene, aunque ya sabemos que esa dimensión ética solamente la alcanzan quienes pueden permitirse el lujo de rechazar clientes, o tienen otra forma de ganarse las lentejas. El dinero compra incluso la ética.

Otro día seguiré. Cuando termine el inspirador evento. He hablado de muchos de los diseñadores que estaban en el programa, pero me he encontrado con tres ausencias notables, así que mejor hablaré a toro pasado. Bien, siempre bien. Estos eventos fraternos siempre están bien. Y hablaré de Barcelona, esta ciudad tan diseñadita, tan distinta de Madrid.

Los que nos esperan en AGI Open Barcelona. Día 1

Nos vamos a dar un empacho de buenas conferencias de 20 minutos sobre diseño, . Son dos días, el 3 y 4 de octubre, en los que se va a reunir en el Teatro Coliseum lo más granado del diseño mundial.

09.55 Christoph Niemann

Sus ilustraciones han aparecido en las portadas de Fast Company, New York Times Magazine, Wired, Time, Newsweek, Atlantic Monthly y The New Yorker.
Ha ilustrado anuncios para Nike, Microsoft, Royal Mail, MoMA y Amtrak y ha creado animaciones ingeniosas y entretenidas para Google. Christoph ha escrito e ilustrado varios libros, entre ellos “The Pet Dragon”, un libro que enseña los caracteres chinos a los niños pequeños y ” I LEGO NY” en el que ha creado esculturas ultra-abstractas en miniatura que resumen todas las cosas de Nueva York, de la más famosa a lo más mundano. Con Nicholas Blechman, un colaborador frecuente, es el creador de la serie de libros de arte “100”.
En 2008 empezó “Abstract City”, un blog visual para la página web del New York Times.

10.20 Tony Brook

El estudio de Tony, Spin, ha publicado trabajos en revistas y libros de todo el mundo. Su participación en exposiciones incluye : “Communicate”, una exposición de diseño gráfico británico independiente desde la década de 1960, “Great expectations”, una exposición de diseño británico contemporáneo para el Design Council, y “Stealing eyeballs”, una exposición colectiva en el Künstlerhaus de Viena. Sus clientes incluyen Boom Boom, el British Council, el Design Museum, el Craft Council, el Deutsche Bank, Five, el Victoria and Albert Museum, More4, la Fundación Proa, Dan Pearson Studio, Sainsbury’s, Alfombras Tai Ping, Unilever, y la Whitechapel Gallery.

Unit Editions  es una colaboración entre Toni Brook y Adrian Shaughnessy (ShaughnessyWorks) que trae el concepto de libro como artefacto altamente diseñado a un público de profesionales, estudiantes y seguidores de la cultura visual.

10.45  Paula Scher

Scher ha sido directora de la oficina de Nueva York de la consultoría en diseño Pentagram desde 1991. A mediados de la década de 1990 su ya célebre identidad para el Public Theater estableció una simbología totalmente nueva en el ámbito de  las instituciones culturales, y sus colaboraciones arquitectónicas recientes han reinventado el paisaje urbano como un entorno dinámico de diseño gráfico tridimensional.

11.30 Lars Müller

Sus primeros años como diseñador estuvieron profundamente influenciados por su estrecha amistad con el artista constructivista Richard Paul Lohse y el diseñador gráfico Josef Müller-Brockmann. Esto ha sido el origen de la preferencia de Müller por un diseño sencillo y funcional. En 1983 Müller comenzó a publicar libros sobre tipografía, diseño, arte, fotografía y arquitectura y, como Lars Müller Publishers, ha producido hasta ahora unos 400 títulos. En sus conferencias llama a una conciencia política y a un sentido de responsabilidad social entre los diseñadores.

11.55  Jessica Helfand & William Drenttel

Socia con William Drenttel en Winterhouse y co-fundadora de Design Observer, Helfand ha escrito para muchas publicaciones, incluyendo el “Los Angeles Times Book Review”, ”Aperture” y  “The New Republic”. Es autora de “Paul Rand: modernista americano” (1998), “Pantalla: Ensayos sobre diseño gráfico, nuevos medios y cultura visual” (2001) y “Reinventar la rueda” (2002). Su libro “Scrapbooks (libros de recuerdos): una historia americana” (2008), aclamado por la crítica, fue nombrado ese mismo año el mejor libro visual de regalo por “The New York Times”.
Helfand ha enseñado durante la década pasada en la Universidad de Yale, donde es crítica en la facultad de Arte y profesora en Yale College.

William Drenttel es socio con Jessica Helfand en Winterhouse y es el director editorial de Design Observer, un sitio internacional que se ocupa de diseño, innovación social, urbanismo y cultura visual. Es director de diseño de Teach For All y está financiado por la Fundación Rockefeller para desarrollar modelos para el diseño y la innovación social. Es presidente emérito de AIGA, asesor de la Mayo Clinic Center for Innovation, miembro del Instituto de Humanidades de la Universidad de Nueva York y miembro senior de la facultad de Yale School of Management. En 2010, con Jessica Helfand, fue elegido para el Art Director’s Hall of Fame, y fue nombrado primer Henry Wolf Residents en Diseño Gráfico en la Academia Americana en Roma.

12.20  Mario Feliciano

En 2004 fundó su propio estudio de diseño, Secretonix, trabajando en una amplia gama de proyectos. En 2001, Mario Feliciano creó Feliciano Type Foundry. Sus diseños incluyen fuentes exclusivas para el Banco Espírito Santo, y los periódicos Expresso, El País y Svenska Dagbaldet.  Su diseño más popular, Flama, es utilizado por The Sunday Times, Politiken y Newsweek entre muchos otros.

12.45 Chip Kidd

Chip es un escritor y diseñador gráfico de Nueva York. Sus diseños de sobrecubiertas de libros para Alfred A. Knopf (donde ha trabajado desde 1986) ayudaron a generar una revolución en el arte de las cubiertas en los libros americanos. Es un colaborador habitual de la página editorial del New York Times a la que contribuye comentario visual. “The Cheese Monkeys”, la primera novela de Kidd, fue publicada por Scribner en 2001. Fue un éxito de ventas en EE.UU.

His designs have been described as “Monstrously ugly” (John Updike), “apparently obvious” (William Boyd), “Faithful flat-earth rendering” (Don DeLillo), “surprisingly elegant” (A. S. Mehta), “a distinguished parochial comic balding Episcopal priest” (Allan Gurganus), “Two colors plus a sash” (Martin Amis) and “not a piece of hype. My book was lucky.” (Robert Hughes)

15.00 Irma Boom

Sus clientes incluyen el Rijksmuseum de Amsterdam, el grupo de teatro De Appel, Inside Outside, el Museo Boijmans Van Beuningen, Zumtobel, Ferrari, Vitra Internacional, NAi publishers, las Naciones Unidas y OMA / Rem Koolhaas, Koninklijke Tichelaar, Camper. Desde 1992, Boom ha sido crítica en la Universidad de Yale en los EE.UU.

15.25  Joost Grootens

Su estudio diseña libros en el campo de la arquitectura, el espacio urbano y el arte, especializándose en atlas, diseñando tanto los mapas como libros. Joost Grootens es coordinador del programa de investigación de Diseño de Información en el curso máster de la Academia de Diseño de Eindhoven.

15.50 Isidro Ferrer

Quién no conoce a Isidro Ferrer.

16.15 Angus Hyland & Marion Deuchars

Angus Hyland ha sido socio en Pentagram Londres desde 1998. Ha trabajado con una amplia gama de clientes como Asprey, Garrard, BMP DDB, Cass Art, EMI, Getty Images, EAT, Penguin Group, Dorling Kindersley, Phaidon, la BBC, Nokia, el British Council, el British Museum, el Crafts Council, The Sage Gateshead, el Shakespeare’s Globe y el Victoria & Albert Museum. En 2005, Angus fue nombrado director creativo de la editorial Laurence King Publishers.

Marion Deuchars es una artista gráfica que vive y trabaja en Londres. Se graduó del Royal College of Art en 1989. Deuchars tiene un lenguaje gráfico muy característico que lo utiliza todo, desde lápices y pintura hasta fotografía y Photoshop. Su trabajo ha sido descrito como poseedor de una “Gestalt espacial muy afinada”. Su nuevo libro “Let’s Make Some Great Art” (Laurence King) se publicó en julio de 2011, y la versión en castellano y catalán (“Arte, crea tu libro”, y “Art, crea el teu llibre”, Coco Books) saldrá al mercado durante el mes de Octubre.

17.00 Jan Wilker

Hjalti Karlsson y Jan Wilker fundaron su estudio en Manhattan, Karlssonwilker, en el año 2000. En el libro  Tell Me Why. cuentan su experiencia. Jan enseña en la Parsons School of Design. También es co-fundador de SahreVictoreWilker, el taller anual internacional de diseño de verano en el Art Directors Club de Nueva York.

17.25 Steven Heller

Es colaborador habitual de The New York Times Book Review, New York Times T-Style, de Atlantic “Life”, y escribe regularmente para PRINT, EYE, Baseline y otras revistas.

PROXIMAMENTE:  EL DÍA 2.

Agi Abierto BCN. Día 2 (04/10/11) por la mañana

Sigo con mis pesquisas sobre el programa de AGI Open. No sé si debería hacer esto, pues pedí acreditación de periodista para asistir y no hallé respuesta. Claro, como soy bloguera… No somos nadie. En fin, que me rasqué la faltriquera para conseguir la entrada y desde allí informaré a mis (difícilmente probables) seguidores. Todo sea por amor al arte, literalmente.

09.55 Stefan Sagmeister

Estableció Sagmeister Inc.  en Nueva York en 1993 y desde entonces, ha diseñado  la gráfica y el packaging de los Rolling Stones, Talking Heads y Lou Reed.

10.20 Michael Bierut

Antes de unirse a Pentagram en 1990 como socio en la oficina de Nueva York, trabajó durante diez años en Vignelli Associates. Medalla de AIGA en 2006. Co-fundador de DesignObserver.com.

10.45 James Goggin

Director de Diseño en el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago.

11.30 Paul Sahre

Genial diseñador e ilustrador neoyorquino.

11.55 Marina Willer

Marina creó la identidad de la Tate y el logotipo para todas sus galerías, otras identidades visuales incluyen la del South Bank Centre, Schaulager (museo de Basilea), Beeline (la principal compañía de telecomunicaciones en Rusia), Oi (la principal compañía de telecomunicaciones en Brasil), etc. En la actualidad se encuentra diseñando la nueva identidad de Amnistía Internacional, que aún no se ha hecho pública. Marina también crea y dirige cortometrajes independientes.

12.20 Ahn Sang–Soo

Ahn Sang-soo es un diseñador de Corea del Sur, que ha revolucionado la escena tipográfica de su país, tras combinar las fromas tradicionales del Hagui ( sistema de escritura nativo ) con las formalidades de la tipografía latina.

12.45 Pierre DiSciullo

A partir de 1983, comenzó a publicar “Qui? Résiste”, una colección de manuales que mezclan textos e imágenes. Creó una gran cantidad de series de fuentes: Minimum, Quantange, Basnoda, Sintétik, Gararond y Amanar, fuentes digitales en el sistema de escritura Touareg.  Ya sea en madera, metal o vidrio, le gustan las cosas escritas en grande.